Мода – це мистецтво чи ні? Дискусії на цю тему можуть тривати вічно. Противники цього твердження наполягатимуть, що модна індустрія занадто залежить від комерції, товарів, сезонності та людської фігури. На їхню думку, шати набувають змісту лише в момент їх носіння. Інакше кажучи, вони не можуть існувати самостійно, на відміну від живописного полотна, скульптури чи іншого витвору мистецтва. Однак, якщо звернути увагу на дрес-код Met Gala 2026, відповідь стає очевидною: безсумнівно, мода здатна бути мистецтвом.
Картина Вінсента ван Гога поруч з одягом Yves Saint Laurent і Джонатана Андерсона для Loewe. Фото: © Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Реклама.
Історичні факти підтверджують цю думку. Існували часи, коли одяг ставав невід’ємною частиною культури, виходячи за рамки простої потреби. У ці періоди модельєри змагалися з представниками сучасного образотворчого мистецтва. Це не означає, що будь-який предмет одягу слід оцінювати за стандартами музеїв. Але іноді корисно розглянути ключові моменти в історії моди з точки зору музейного працівника. Такий погляд дає змогу зрозуміти не тільки важливість цих моментів, але й їхній вплив на культуру, стиль і наше бачення одягу в цілому. Далі — дизайнери, що були рушіями цих змін.
Ельза Скіапареллі
Photo: WWD/Getty Images
Твори Ельзи Скіапареллі є незаперечним підтвердженням того, що цінність моди як мистецтва довгий час применшували. У міжвоєнний період Скіапареллі тісно співпрацювала з представниками сюрреалістичного руху, зокрема з Сальвадором Далі та Жаном Кокто. Проте, оскільки вона займалася створенням одягу, її роботи часто сприймалися не як самостійне художнє вираження, а як щось більш практичне та комерційне. У цьому й полягає суперечність. Сюрреалізм активно досліджував тему жіночого тіла, підсвідомого та незвичайного в повсякденному житті. Скіапареллі ж втілювала ці ідеї не на полотні чи в художній галереї, а в одязі. Її знамениті Shoe Hat і Skeleton Dress не лише віддзеркалювали сюрреалізм, а й робили його відчутним у реальності. Вони спонукали до розмов про тіло, жіночність, звичайні речі та розмежування між модою та мистецтвом.
Ів Сен-Лоран
Photo: PIERRE VERDY/AFP/Getty Images
Важко знайти колекцію, яка б так успішно розмивала межу між модою та мистецтвом, як колекція Іва Сен-Лорана 1965 року. Близько чверті образів у ній були натхненні роботами Піта Мондріана — нідерландського живописця та одного з основних представників стилю De Stijl. Найбільшої популярності набули лаконічні сукні прямого силуету, виконані в стилі 1960-х років. Їхня чітка геометрична форма послужила ідеальним полотном для кольорових блоків, що використовували основні кольори — червоний, синій, жовтий, білий і чорний. Шви, лінії крою та конструктивні деталі були чітко вписані в чорні графічні рамки, завдяки чому форма сукні гармонійно поєднувалася з композицією. Ця колекція стала одним із найяскравіших прикладів того, як мистецтво може втілюватися в одязі, не втрачаючи своєї сутності.
Джанні Версаче
Photo: Sean Thomas
Мода завжди мала тісний зв’язок з поп-артом. Вона використовує бажання, зображення, знаменитостей, масову культуру та речі, що швидко стають символами свого часу. Поп-арт цікавився тим самим: не віддаленим “високим” мистецтвом, а світом реклами, глянцю, кіно, облич та продуктів, які впізнавані кожному. Енді Воргол добре розумів цей світ. У 1950-х він працював ілюстратором моди для Vogue, а згодом заснував Interview — видання, яке і сьогодні відіграє важливу роль у модному медіапросторі. У 1991 році Джанні Версаче звернувся до спадщини Воргола безпосередньо. Він створив вечірню сукню, прикрашену яскравим колажем із портретів Мерилін Монро, одного з найвідоміших образів художника.
Рей Кавакубо
Photo: Spotlight/Launchmetrics
Колекція Comme des Garçons — це окремий курс історії мистецтва. У 1990-х бренд співпрацював із Сінді Шерман для створення рекламних кампаній. Вони видавали культовий журнал Six, який вирізнявся складною, майже таємничою візуальною мовою. З 1970-х Comme des Garçons підходили до моди настільки нетрадиційно, що їх часто сприймають не лише як модний дім, а як повноцінну концептуальну практику. Проте, серед усього спадку бренду особливо варто відзначити колекцію Dress Meets Body, Body Meets Dress сезону весна-літо 1997 року, створену Рей Кавакубо. Кавакубо поставила під сумнів саме уявлення про те, яким має бути жіноче тіло у світі моди. Сукні з цієї колекції не прикрашали фігуру у звичному розумінні, і не прагнули зробити її “ідеальною”. Навпаки, вони викликали дискомфорт, напругу та незвичне відчуття тривоги.
Мартін Маржела
Photo: Marcio Madeira/Style.com
Концептуальна мода 1990-х років значною мірою завдячує Мартіну Маржелі. Він проводив покази своїх колекцій на дитячих майданчиках у передмістях Парижа. Створював кутюрні речі з грубого лляного полотна, яке зазвичай використовують для манекенів. Також він представив білий одяг, доповнений прикрасами з рожевого фарбованого льоду. Лід танув прямо під час показу, залишаючи рожеві сліди на одязі моделей. Маржела постійно переосмислював саме поняття розкоші. Його одяг змушував замислитися над тим, з чого складається система: покази, цінність речей, авторство, матеріали, бажання, статус. Він не лише піднімав ці питання, а й руйнував самі правила, на яких базувалася індустрія.
Александр Макквін
Photo: Rex
У сфері модної журналістики термін “перформанс” часто використовують надмірно. Ним позначають будь-який показ, де відбувається щось більше, ніж звичайний вихід моделей на подіум. Але у випадку Александра Макквіна це визначення є цілком виправданим. Його дефіле були не просто презентаціями колекцій, а повноцінними видовищами з власною драматургією, напруженням та відчуттям тривоги. Згадайте показ Voss і Кейт Мосс у закритому скляному кубі. Або Шалом Гарлоу, яка кружляла подіумом, поки роботизовані руки розписували фарбою її пишну тюлеву сукню. Або моделі, що знаходилися у складі на Borough Market, їхні силуети мерехтіли у відблисках палаючого автомобіля. Макквін був майстром створення не просто одягу, а цілих всесвітів навколо нього. Його покази впливали на глядачів не лише візуально, а й на фізичному рівні: вони викликали страх, захоплення, занепокоєння та не давали відірвати погляд. Він говорив про людське тіло, страх, бажання, красу, насильство та крихкість. Саме тому Макквіна можна вважати справжнім митцем, незалежно від того, чи працював він із тканиною, простором чи видовищем.
Марк Джейкобс
Photo: Courtesy Louis Vuitton.
Небагато дизайнерів приділяли стільки уваги мистецтву в модній індустрії, як Марк Джейкобс протягом 16 років роботи в Louis Vuitton. Він був одним з перших, хто перетворив співпрацю люксового бренду з художниками на окремий напрям діяльності. Джейкобс відкрив широкій публіці яскраві, майже психоделічні світи Стівена Спрауза, Яйої Кусами та Такаші Муракамі. Ці партнерства змінили імідж Louis Vuitton. Традиційний французький дім, відомий своїми дорожніми скринями, поступово перетворився на великий культурний бренд. Крім цих відомих колаборацій, Джейкобс працював з Френком Гері, Сінді Шерман та Рей Кавакубо над скульптурними об’єктами для проєкту Iconoclasts 2014 року. Таким чином він відкрив шлях до більш серйозного діалогу між модою та мистецтвом, де важливим було не лише комерційне значення, а й сам об’єкт, його форма, сенс та культурна цінність.
Шейн Олівер
Photo: Spotlight/Launchmetrics
Нью-Йорк — місто, де мода, мистецтво, клубна культура та перформанс тісно переплітаються. Шейн Олівер, засновник Hood By Air, — один із дизайнерів, який найсміливіше працював на цій межі. Його бренд створив цілу культурну сцену, де подіум ставав платформою для обговорення тіла, сексуальності, раси, квір-культури, нічного життя та сили іміджу. На показах бренду з’являлися художники та митці, такі як Джуліана Гакстейбл і Вольфганг Тільманс. У той час це ще не було звичайною практикою для модних шоу. У 2016 році Hood By Air навіть співпрацював з PornHub. Це був ризикований і резонансний маркетинговий крок, який сьогодні можна розглядати як один із перших прикладів вірусного партнерства у світі моди.
Телфар Клеменс
Photo: John Lamparski
Бренди одягу давно беруть участь у великих мистецьких виставках і ярмарках. Але у 2016 році Telfar зробив це інакше, ніж більшість. На Берлінській бієнале незалежний нью-йоркський бренд представив одяг не як частину показу чи рекламної кампанії, а як елемент мистецької інсталяції. У виставковому просторі були розміщені манекени, що нагадували самого Телфара Клеменса. Вони були одягнені у речі Telfar — повсякденний одяг з незвичними пропорціями та дещо дивним кроєм. Поруч демонструвалися відеоінсталяції Хіто Штайєрль та Джона Рафмана. Таким чином, речі Telfar опинилися в одному просторі з творами сучасних художників, а не в магазині чи на подіумі. Це було важливо, оскільки Telfar показав, що навіть комерційний одяг може бути частиною мистецького висловлювання.
Джонатан Андерсон
Photo: Virgil Claisse/Gamma-Rapho via Getty Images
Джонатан Андерсон вже давно колекціонує роботи художників, підтримує мистецькі проєкти та організовує виставки у відомих лондонських галереях. У Loewe він часто робив мистецтво головною темою колекцій. Через це простір його показів іноді нагадував не традиційний подіум, а тимчасові музейні експозиції. Чоловічий показ Loewe осінь-зима 2024/2025 є одним із найяскравіших прикладів. Простір шоу був оформлений як каплиця. Проте замість класичних вітражів у ньому були колажі та відеороботи американського митця Річарда Гокінса. Вони виглядали дещо наївно, майже кумедно, але водночас містили відвертий еротичний підтекст. У відео чоловіки з колаборації Loewe позували так, ніби перебували між амплуа cam-boy та образом святого мученика. Таким чином Андерсон висловлювався про культ чоловічого тіла в цифровій культурі. Це був коментар про вуаєризм, ексгібіціонізм і наше прагнення спостерігати за іншими.
Шинейд О’Дваєр
Photo: Sharna Osborne. Courtesy Sinéad O’Dwyer
Випускні дефіле студентів-модельєрів часто дають дизайнерам більше свободи, ніж комерційні колекції. Саме тут одяг може бути ближчим до мистецтва, оскільки творці працюють не лише з кроєм, а й з тілом, формою та матеріалом. Так було на магістерському показі Royal College of Art у 2017 році. Однією з найяскравіших робіт стала презентація ірландської дизайнерки Шинейд О’Дваєр, яка працює в Лондоні. У ній брали участь моделі різних розмірів і з різними фізичними особливостями. Вони позували спокійно та величаво, подібно до фігур на фресці прерафаелітів. О’Дваєр представила скульптурні речі, створені за контурами тіл двох її муз. Вони були виготовлені з екструдованого силікону, у якому ніби застигли складки сатину. Це були скоріше скульптури, ніж звичайний одяг: їх було важко відтворити й майже неможливо носити в повсякденному житті. Проте ця презентація стала важливою, оскільки вона відкрито заявила про те, чого моді досі бракує: справжніх жіночих тіл, різних розмірів і з різним досвідом.
За матеріалами vogue.co.uk